１·問法國朋友有沒有喜歡的音樂家，他們竟然都說：「沒有。」
２·走在學校，新生最常問的就是：「 Tu es chez qui ？」（你是哪個老師班的）
３·時常拉很多「不知所云」的當代音樂。
４·上課時，老師時常對我說：「 Appoggiature！」
以上四點，是我一開始到歐洲，最不習慣的地方，不過到底什麼意思？
從國小到大學，甚至研究所，我走的都是台灣的音樂體系，從厚德國小音樂班、師大附中、三重高中（新北高中）、國北（國立台北教育大學）、北藝大（只唸了一年的研究所），除了練習樂器外，還補過各種音樂類的「習」，比如：樂理、聽寫、試唱，可以說是一個土生土長的台灣音樂系小孩。
一次場合中，遇見了一位剛留學回來的學長，他演奏後我嚇到了，因為他已經不是以前青澀模樣，已然是一位國際大師。
因為「他」的榜樣，讓我好奇國外到底有什麼魔力，能夠讓他完全的蛻變、完全的脫胎換骨。
所以在研究所唸了一年後，我決定休學，去看看西方世界是如何看待音樂的。
首先考取了巴黎瑪爾梅松音樂院，唸了兩年後，考去瑞士日內瓦高等音樂院，也讀了兩年，總共在歐洲待了四年。
雖然不算長，卻也讓我開了眼界以及觀察到一些與台灣的不同之處，在這邊想與大家分享分享。
１·沒有偶像崇拜
在台灣時，時常與朋友討論各自喜歡的音樂家偶像，比如自己就很喜歡大提琴家卡普頌（Gautier Capucon ）、Edgar Moreau ，另一個朋友就特別喜歡 Steven Isserlis ，然後小提琴朋友，有的喜歡海飛茲（ Jascha Heifetz )，有的喜歡希拉蕊韓（ Hilary Hahn )。
但是，當我到法國時，問了身邊音樂院的朋友，有沒有最喜歡的音樂家時，基本上得到的回覆都是：
「沒有。」
那我就納悶了，怎麼會沒有呢，通常不是都會有一個自己最喜歡的，然後越演奏越朝偶像的方向發展嗎？比如喜歡海飛茲的，精準度就會越來越海飛茲，喜歡大提琴家 Isserlis的，音色就會走向Isserlis ，那到底是麼回事？
幾年過後，我想可能是以下兩個原因：
一、偶像必須要與自己有點距離才能稱作偶像
二、跟自身音樂造詣有關
第一點，在台灣時，很少聽過哪個台灣同學說：「我崇拜某某台灣的老師」，我自己的感覺是，因為台灣的老師，可能容易接觸，接觸多了就覺得不是那麽稀奇了，也容易看到那人的缺點，所以通常崇拜的都是較遠的國外大師。
第二，隨著自己音樂程度的提高，發現原初喜歡的那些音樂家，並不是演奏每首曲子都特別的出色，有人可能擅長協奏曲，有人可能擅長巴哈，有些大師就特別擅長某些作曲家的詮釋，比如大提琴家卡普頌公認最好的演奏，就是德佛札克大提琴協奏曲。
從小浸染在大師的氛圍中，讓他們耳濡目染，那些大師對法國人來說，或許都是可達到目標，也就少了偶像崇拜吧。
２·以主修老師為班級單位
在法國、瑞士，一開學新生問候完的第一句通常是：「 Tu es chez qui？」(你是哪個老師班的？）
一開始覺得很納悶，為什麼不會像在台灣時被問說，你大幾的、你碩幾，而是直接問你是哪個老師的學生？後來才知到，原來在法國，除了巴黎高等、里昂高等音院外，學校不是那麼重要，而是「跟哪個老師」比較重要，就像巴黎的 Conservatoire de Boulogne（布隆尼音樂院）就培育出很多考上巴黎高等音樂院的的小提琴學生，所以跟對老師比你上哪所學校更重要。
再比如，到瑞士時，因為簽證的問題（請參考奇遇的開始——波折的簽證），學校系主任就是聯繫我的大提琴老師，請她負責；學校的大小活動，也通常是學校聯絡老師，然後老師再通知我們，他們並沒有所謂的「班級導師」。
在國外，自己的主修老師就像第二個爸媽一樣，在困難的時候給予我們幫助。
３·更多的接觸當代音樂
在台灣時，演奏到最現代的曲子大概是蕭士塔高維奇（ Dmitri Shostakovich 1906-1975 )的奏鳴曲與協奏曲了，問了很多朋友，基本上也差不多，很少接觸到２０００年後的曲子。
到了歐洲，我發現老師會強迫我們練習現代樂曲，甚至我們每個月的班級發表會（ Audition )，每一次都會有主題，記得一次主題就是「２１世紀樂曲」，甚至期末考，學校也強迫規定演奏一首２１世紀當代樂曲。
久了，我感覺當代音樂好像流入到我的生活中。
一次幸運的機會，讓我在瑞士 Archipel 當代音樂藝術節，發表當代作曲家的作品，那首「Romance for Lilith in Heaven 」編制兩把大提琴以及一位電腦控制師。
這首曲子講述的是：聖經中亞當（ Adam ）的第一任妻子（ Lilith ）想要自由，卻每天都在戰鬥，高貴卻原始的故事。
裡面用很多特別的技術，模仿人類原始聲音、開天闢地景象，以及那種完全憑感官去感知世界的那種狀態。
技術層面有：用手指摩擦琴面，發出那種老舊木門發出的那種嘎伊聲，或是左手止住琴弦，並用右手施一定力量，拉出那種喀喀喀的聲音，裡面基本沒有幾個「正常的音符」，而且作曲家另外寫的一個聲音，會藉由電腦播出跟我們一起演奏。
一開始練習的時候，特別挫折，我覺得大提琴突然變得好陌生，從小學到大的技術突然不管用了，譜上的記號像某種未知密碼，電腦播放出的音樂不等我們，而是我們要去配合「它」。
一次次與作曲家的溝通與突破，我們演出完後的雞尾酒宴，很多觀眾特地來跟我們說：很喜歡剛剛那首曲子。
我發現，在一次次接觸以及練習當代音樂後，原本不喜歡當代音樂的我，竟然「愛上」當代音樂了！
對我來說，當代音樂是一種「活著、流動的」音樂，你可以跟作曲家溝通，可以打破自己原本對古典音樂的認識，重要的不是聲音，而是聲音傳達出來的觀念以及想法。
４·注重和聲，而不是只聽出音高
一開始到法國上聽寫課時，我發現旁邊的同學聽力能力似乎不太好，我想說，是不是我自我感覺太好，問了幾個台灣朋友，他們也說有這樣的感覺。（必須說台灣的聽寫訓練真的很厲害）
在上唱課時，我發現有些同學歌唱，似乎不能立刻抓準音高，後來才知道，原來是因為他們相對音感的人較多。
大提琴課時，老師經常對我吼說：「Appoggiature 」（倚音），其實倚音這個詞，在台灣早已學過，卻不知道它真正的意涵。
原來倚音在情感上的表達的是「渴望」，所以遇到倚音，要強調的是身為倚音的那個和弦外音，而不是後面的和弦音。
舉例來說，下面是海頓第二號大提琴協奏曲第一樂章，紅色箭頭代表「倚音」，可能需要強調，而後面的綠色叉叉，代表著和弦外音，最好不要在此音加上重音。
（ Haydn: cello concerto no.2 ）
在台灣，我們大學有一堂課叫「和聲課」，但好像出了教室，就忘了它的存在，不知道怎麼實際運用在樂譜中。
我的老師 Ophélie Gaillard 時常對我說，我的和聲分析能力像嬰兒一樣，完全不會運用，她說：「作曲家在樂譜上留給我們很多密碼，其中一個最重要的就是和聲，唯有知道和聲，才能知道音樂流動的方向。」
最後，留學生涯告一段落準備回台灣時，比我還資深的留學朋友告訴我：「其實啊，留學生涯要到第五年才算真正開始」，所以啊，才留學四年的我，或許只看到歐洲音樂的冰山一角。
就像所有的音樂教育、音樂演奏一樣，無止盡的道路，永遠都在等著我們探索、聆聽。
就像所有的音樂教育、音樂演奏一樣，無止盡的道路，永遠都在等著我們探索、聆聽。
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